Chiharu Kano | 카노 치하루

일본 | 연극 · 부토 · 퍼포먼스 | Theatre · Butoh · Performance

일본 가나가와 출신의 배우이자 부토 아티스트이다. 고등학교 시절 타다시 스즈키(Tadashi Suzuki)가 개발한 스즈키 메소드를 통해 배우 훈련을 시작했으며, 이후 극단 ‘Kawasaki Alice’에서 활동하며 셰익스피어의 《로미오와 줄리엣》을 비롯한 다양한 작품의 무대에 섰다.

2017년부터는 부토 아티스트 텐메츠(Temmetsu)가 이끄는 드라마틱 보디 유닛 B-kikan에 참여해 연극과 부토가 교차하는 신체 표현을 탐구하고 있다. 무대와 영상을 넘나들며 몸의 움직임과 감정, 내면의 감각을 섬세하게 드러내며, 부토의 신체성과 배우로서의 연기 경험이 만나는 독특한 무대 언어를 만들어가고 있다.

한국 문화와 예술에도 꾸준한 관심을 가져왔으며, 2019년 제주국제실험예술제(JIEAF)에 참여하며 한국과의 예술적 교류를 이어왔다. 신체와 감정, 공간의 관계를 중심으로 배우와 부토 아티스트의 경계를 넘나드는 작업을 지속하고 있다.

Born in Kanagawa, Japan, she is an actress and Butoh artist. She began her actor training in high school through the Suzuki Method developed by Tadashi Suzuki, and later performed with the theater company Kawasaki Alice in various productions, including Shakespeare’s Romeo and Juliet.

Since 2017, she has been a member of the dramatic body unit B-kikan, led by Butoh artist Temmetsu, exploring forms of physical expression that intersect theater and Butoh. Working across stage and screen, she delicately reveals movement, emotion, and inner sensation through the body, developing a distinctive performance language that brings together the physicality of Butoh and her experience as an actress.

She has also maintained a strong interest in Korean culture and art, continuing artistic exchanges with Korea through her participation in the Jeju International Experimental Arts Festival (JIEAF) in 2019. Her practice continues to explore the relationship between body, emotion, and space while moving fluidly between the roles of actress and Butoh artist.

Guillermo Luis Horta| 기예르모 루이스 오르타

쿠바 | 퍼포먼스 · 보이스 아트 · 신체극 | Performance · Vocal Art · Physical Theatre

쿠바 출신의 퍼포먼스 아티스트이자 안무가, 배우, 무용가, 보컬리스트이다. 연극과 현대무용, 시각예술을 공부했으며, 인도의 카타칼리 연극과 덴마크 오딘 시어터의 ISTA(International School of Theatre Anthropology) 등 다양한 신체예술의 전통과 국제 프로그램을 경험하며 자신만의 퍼포먼스 언어를 발전시켜왔다.

초기부터 실험연극과 목소리 작업에 깊은 관심을 두고 연극과 춤, 음악의 경계를 넘나드는 작업을 이어왔으며, 쿠바의 현대무용단 Danza Espiral의 창립 예술가로도 활동했다. 특히 몸과 목소리의 관계를 오랫동안 탐구하며 움직임과 소리, 호흡과 즉흥성을 연결하는 VABAS Method를 창안해 배우와 무용가, 음악가를 위한 창작과 교육 활동을 지속하고 있다.

유럽과 쿠바, 아시아를 비롯해 미국과 러시아에서도 공연과 교육 활동을 펼쳐왔으며, 국제적인 무대와 워크숍을 통해 자신의 신체예술 방법론을 공유해왔다. 한국에서도 동국대학교와 건국대학교, 제주국제실험예술제(JIEAF), 섬진강국제실험예술제(SIEAF) 등을 통해 꾸준히 예술적 교류를 이어오고 있다.

A Cuban performance artist, choreographer, actor, dancer, and vocalist, he studied theater, contemporary dance, and visual arts. Through his experience with various traditions and international programs in physical performance, including Indian Kathakali theater and ISTA (International School of Theatre Anthropology) at Odin Teatret in Denmark, he has developed his own distinctive performance language.

From the early stages of his career, he has maintained a strong interest in experimental theater and vocal work, creating performances that move across the boundaries of theater, dance, and music. He was also a founding artist of the Cuban contemporary dance company Danza Espiral. In particular, he has explored the relationship between body and voice for many years and developed the VABAS Method, which connects movement, sound, breath, and improvisation. He continues to apply this method in creative and educational work with actors, dancers, and musicians.

He has performed and taught throughout Europe, Cuba, Asia, the United States, and Russia, sharing his approach to physical performance through international productions and workshops. In Korea, he has continued artistic exchanges through Dongguk University, Konkuk University, the Jeju International Experimental Arts Festival (JIEAF), and the Seomjingang International Experimental Arts Festival (SIEAF).

Ian-John Hutchinson | 이안-존 허친슨

뉴질랜드 | 사운드아트 · 즉흥음악 · 필드 레코딩 | Sound Art · Improvised Music · Field Recording

뉴질랜드 출신의 사운드 아티스트이자 즉흥 음악가이다. 오클랜드에서 사운드아트를 공부했으며, 대만과 일본을 거쳐 2015년부터 한국을 거점으로 활동하고 있다. 즉흥 음악 프로젝트 ‘딱지 시리즈(Ddakji Series)’와 참여형 사운드 프로젝트 ‘Second Heard Sound Shop(중고소리가게)’을 기획하며, 소리를 듣고 수집하고 교환하는 과정 자체를 예술적 경험으로 확장해왔다. ‘딱지 시리즈’는 2015년 시작되어 한국의 여러 즉흥 음악가들과 함께 지속되어 왔으며, ‘중고소리가게’는 춘천을 시작으로 서울시립미술관, 문화비축기지 등 다양한 공간에서 선보였다.

그의 작업은 즉흥연주와 자작 악기, 필드 레코딩을 중심으로 일상의 소리와 자연환경, 사람과 장소 사이의 관계를 탐색한다. 최근에는 왕송생태습지와 섬, 갯벌 등 자연과 도시가 맞닿는 장소의 소리를 지속적으로 기록하며 생태환경의 변화와 그 안에서 살아가는 존재들의 흔적에 귀 기울이고 있다. 사운드를 단순히 듣는 대상으로 바라보기보다 사람과 장소, 환경을 새롭게 발견하고 연결하는 매체로 확장하는 것이 그의 작업의 중요한 특징이다.

A New Zealand-born sound artist and improvising musician, he studied sound art in Auckland and, after spending time in Taiwan and Japan, has been based in Korea since 2015. He has developed projects such as the improvisational music series Ddakji Series and the participatory sound project Second Heard Sound Shop, expanding the acts of listening, collecting, and exchanging sounds into artistic experiences. Launched in 2015, Ddakji Series has continued in collaboration with various improvising musicians in Korea, while Second Heard Sound Shop has been presented in a range of venues, including Chuncheon, the Seoul Museum of Art, and Oil Tank Culture Park.

His practice centers on improvisation, self-made instruments, and field recording, exploring the relationships between everyday sounds, natural environments, people, and places. In recent years, he has continuously recorded sounds from sites where nature and urban environments intersect, including Wangsong Ecological Wetland, islands, and tidal flats, listening closely to ecological changes and the traces of living beings within them. Rather than treating sound simply as something to be heard, he uses it as a medium for rediscovering and connecting people, places, and environments.

Kohei Wakaba | 와카바 코헤이

일본 | 부토 · 현대무용 · 퍼포먼스 | Butoh · Contemporary Dance · Performance

일본 후쿠이 출신의 부토 아티스트이자 안무가, 연출가이다. 2004년부터 2020년까지 일본을 대표하는 부토 집단 다이라쿠다칸(Dairakudakan)에서 활동하며 마로 아카지(Akaji Maro)를 사사했다. 이후 독립적인 창작활동을 시작해 부토의 전통적인 신체 언어를 동시대 춤과 퍼포먼스로 확장하는 작업을 이어가고 있다.

2021년 작품 《Those Who Ain’t Damn Nobody》로 SAI Dance Festival 1st Prize와 Choreographer’s Concert 심사위원상을 수상했으며, 홍콩 Dance Exchange와 교토 아라시야마 예술제 등 국내외 무대에서 작품을 선보였다. 2023년 무용가 마나 카와무라(Mana Kawamura)와 함께 부토 유닛 Wakaba Coffee를 설립해, 부토를 기반으로 하면서도 기존 형식에 머물지 않는 새로운 신체 표현과 협업을 실험하고 있다.

2024년에는 Performing Arts Association을 설립하고 여성 부토 프로젝트 Wozme를 프로듀싱하는 등 창작과 기획의 영역을 넓혔다. 2025년에는 이토 김(Kim I Toh), 텐메츠(Temmetsu) 등 다양한 세대의 예술가들과 함께 **《Anthropophagy Ball》**을 발표했으며, 이 작품은 2026년 도쿄 좌·고엔지2에서 새로운 버전으로 다시 무대에 오른다. 부토와 현대무용, 연극과 일상의 경계를 자유롭게 넘나들며 ‘몸은 어디까지 변화할 수 있는가’를 탐색하는 것이 그의 작업을 관통하는 중요한 축이다.

A Butoh artist, choreographer, and director from Fukui, Japan, he was a member of Dairakudakan, one of Japan’s leading Butoh companies, from 2004 to 2020, where he studied under Akaji Maro. After leaving the company, he began pursuing an independent artistic practice, expanding the traditional physical language of Butoh into contemporary dance and performance.

In 2021, his work Those Who Ain’t Damn Nobody received First Prize at the SAI Dance Festival as well as the Jury Prize at the Choreographer’s Concert. His works have since been presented at venues and festivals including Dance Exchange in Hong Kong and the Arashiyama Art Festival in Kyoto. In 2023, together with dancer Mana Kawamura, he founded the Butoh unit Wakaba Coffee, exploring new forms of physical expression and collaboration rooted in Butoh while moving beyond its conventional forms.

In 2024, he founded the Performing Arts Association and expanded his activities into producing and curating, including the women’s Butoh project Wozme. In 2025, he presented Anthropophagy Ball with artists from different generations, including Kim I Toh and Temmetsu. A new version of the work is scheduled to be presented at Za-Koenji 2 in Tokyo in 2026.

Moving freely across the boundaries of Butoh, contemporary dance, theater, and everyday life, his practice is driven by an ongoing exploration of the question: “How far can the body transform?”

Mocca | 모카

일본 | 보이스 아트 · 즉흥음악 · 의례적 퍼포먼스 | Voice Art · Improvised Music · Ritual Performance

모카(Mocca)는 일본 기후현 출신의 보이스 아티스트이자 싱어로, 2000년부터 목소리를 중심으로 한 예술 활동을 이어오고 있다. 즉흥음악과 노래, 치유적 사운드와 스토리텔링을 넘나들며 목소리가 가진 원초적인 힘을 통해 사람과 자연, 보이는 세계와 보이지 않는 세계의 경계를 연결한다.

2011년 도시의 삶을 뒤로하고 자연이 풍요로운 고향 기후로 돌아온 뒤, 땅과 자연의 리듬에 뿌리내린 작업을 본격적으로 시작했다. 2014년부터는 벼농사와 예술, 일본 신화를 결합한 ‘이나 페스트(Ina Fest · Rice Cultivation Art Festival)’를 기획하며 농사와 예술이 하나의 삶 속에서 만나는 실험을 이어오고 있다. 일본 신화를 바탕으로 한 음악과 공연을 통해 자연에 대한 감사와 기도, 인간과 자연의 순환을 소리로 표현한다.

그녀에게 목소리는 인간이 지닌 가장 가까우면서도 근원적인 악기이다. ‘목소리와 호흡’ 워크숍과 명상, 노래와 춤을 바치는 의례적 공연을 통해 자신의 내면을 듣고 타인과 연결되는 시간을 만들어간다. 최근에는 ‘공감과 기도, 조화’를 중심으로 활동하며, 소리의 힘을 통해 사람과 자연이 함께 살아가는 평화로운 세계를 이야기하고 있다.

Mocca is a voice artist and singer from Gifu Prefecture, Japan, who has been developing an artistic practice centered on the human voice since 2000. Moving across improvisational music, song, healing sound, and storytelling, she explores the primal power of the voice as a way of connecting people and nature, and bridging the visible and invisible worlds.

In 2011, she left urban life and returned to her nature-rich hometown of Gifu, where she began developing work more deeply rooted in the rhythms of the land and the natural environment. Since 2014, she has organized Ina Fest – Rice Cultivation Art Festival, a project that brings together rice farming, art, and Japanese mythology, exploring how agriculture and artistic practice can coexist as part of everyday life. Through music and performances inspired by Japanese mythology, she expresses gratitude and prayer for nature, as well as the cycles that connect human beings and the natural world.

For Mocca, the voice is the most immediate and fundamental instrument of the human body. Through voice-and-breath workshops, meditation, and ritual-like performances involving song and dance, she creates spaces where participants can listen inwardly and connect with others. In recent years, her practice has increasingly focused on empathy, prayer, and harmony, using the power of sound to imagine a peaceful world in which people and nature live together.

Nomad Wave | 노마드 웨이브

몽골 | 퍼포먼스 · 대지미술 · 설치미술 | Performance · Land Art · Installation 

노마드 웨이브(Nomad Wave)는 몽골 유목문화에 깃든 자연관과 영성, 삶의 지혜를 동시대 예술의 언어로 풀어내는 퍼포먼스 아트 그룹이다. 2010년부터 활동하며 인간과 자연을 분리된 존재가 아닌 서로 연결된 하나의 생명으로 바라보고, 유목민이 오랫동안 이어온 자연과의 공존 방식을 몸과 사물, 자연재료와 장소를 통해 탐구해왔다. 대지미술과 설치, 퍼포먼스를 넘나들며 자연을 작품의 배경이 아니라 기억과 정신, 삶이 교차하는 살아 있는 공간으로 바라본다.

바트뭉크 뭉크체체그(Batmunkh Munkhtsetseg)

회화, 펠트 아트, 설치, 대지미술, 사운드, 비디오와 퍼포먼스를 아우르는 다원예술가이다. 특히 몽골 유목생활의 대표적 재료인 펠트와 양털, 전통적 지식을 현대적인 시각언어와 결합하며 생명과 대지, 가족과 공동체, 생태적 균형을 이야기한다. 그에게 펠트는 단순한 재료가 아니라 따뜻함과 보호, 회복력과 생명의 기억을 품은 매개체이다. 유목문화에 전해 내려오는 탯줄과 부적의 전통에서부터 현대사회의 과도한 소비와 자연 파괴를 질문하는 설치에 이르기까지, 오래된 삶의 지혜를 오늘의 생태적 문제와 연결한다.

엔야 간바트(Eya Ganbat)

대지미술, 설치미술, 퍼포먼스와 회화를 통해 인간과 자연, 영혼의 관계를 탐구한다. 그녀에게 자연은 단순히 작품이 놓이는 배경이 아니라, 인간이 멈추어 자신을 바라보고 내면과 마주하며 변화할 수 있는 사색과 발견의 공간이다. 일출과 바람, 대지와 같은 자연의 움직임에 몸을 맡기며 장소가 품은 기억과 감각을 일시적인 행위와 설치로 드러낸다. 최근에는 특히 ‘물(Water)’을 중요한 주제로 삼아 작업하고 있으며, 물을 생명과 기억, 순환의 매개이자 몽골의 수자원 부족과 광산 개발로 인한 환경 문제를 바라보는 중요한 상징으로 확장하고 있다. 그의 작업은 관객에게 잠시 발걸음을 멈추고 주변을 바라보며 자연과 자기 자신 사이의 관계를 다시 감각하도록 이끈다.

Nomad Wave is a Mongolian performance art group that translates the worldview, spirituality, and wisdom embedded in nomadic culture into the language of contemporary art. Active since 2010, the group views humans and nature not as separate entities but as interconnected forms of life, exploring the nomadic tradition of coexistence with nature through the body, objects, natural materials, and site-specific practice.

Working across land art, installation, and performance, Nomad Wave approaches nature not simply as a backdrop for art, but as a living space where memory, spirit, and everyday life intersect.

Batmunkh Munkhtsetseg

A multidisciplinary artist working across painting, felt art, installation, land art, sound, video, and performance. Using felt and wool rooted in Mongolian nomadic culture, she explores themes of life, land, family, community, and ecological balance, connecting traditional wisdom with contemporary environmental concerns.

Enkhjargal Ganbat (Eya)

A multidisciplinary artist working in land art, installation, performance, and painting. Her practice explores the relationship between humans, nature, and spirit, often responding directly to natural elements and specific places. Recently, water has become a central theme in her work, reflecting on life, memory, circulation, and Mongolia’s environmental challenges.

Sato Yukie | 사토 유키에

일본 | 실험음악 · 즉흥음악 · 록 | Experimental Music · Improvisation · Rock

서울을 중심으로 활동하는 일본 출신의 기타리스트이자 실험음악가, 싱어이다. 1995년 한국 록 음악과의 만남을 계기로 일본인 뮤지션들과 밴드 ‘곱창전골’을 결성했으며, 1999년 첫 앨범 《안녕하시므니까?》를 발표했다. 이후 록과 포크, 사이키델릭, 즉흥음악을 넘나들며 한국과 일본의 음악가들을 연결하고, 두 나라의 독립음악과 실험예술이 교류하는 다양한 무대를 만들어왔다.

2003년부터는 실험·전위·즉흥예술 프로젝트 ‘불가사리(Bulgasari)’를 기획해 음악가와 퍼포먼스 아티스트들이 장르와 형식의 경계를 넘어 자유롭게 만나고 협업하는 장을 이어오고 있다. 기타와 목소리뿐 아니라 일상의 사물과 우연히 발생하는 소리까지 음악의 재료로 받아들이며, 즉흥성과 현장성을 중심으로 자신만의 실험적인 음악세계를 펼쳐왔다.

2026년에는 가수 마리코와 함께 ‘마리코 &유키에(Mariko &Yukie)’의 정규 1집 《남산타워(Namsan Tower Lights)》를 프로듀싱했다. 한국과 일본의 1960~70년대 그룹사운드를 바탕으로 두 음악가가 서울에서 살아온 시간과 두 문화 사이의 감각을 음악으로 풀어낸 작업으로, 사토 유키에가 오랫동안 이어온 한일 음악 교류의 또 다른 현재를 보여준다.

2002년부터 한국실험예술제에서 제주국제실험예술제(JIEAF), 섬진강국제실험예술제(SIEAF)로 이어지는 긴 시간 동안 퍼포먼스와 즉흥음악, 무용을 위한 음악 작업으로 축제와 함께해왔다. 음악을 완성된 형식에 가두기보다 사람과 사람, 소리와 공간, 서로 다른 문화가 만나는 열린 행위로 확장하는 것이 그의 작업을 관통하는 중요한 태도이다.

Sato Yukie is a Japanese guitarist, experimental musician, and singer based in Seoul. Since forming the band Gopchang Jeongol in 1995, he has worked across rock, folk, psychedelic, and improvised music, creating connections between Korean and Japanese independent music and experimental art.

Since 2003, he has organized Bulgasari, an experimental and improvisational arts project bringing musicians and performance artists together across genres. His practice centers on guitar, voice, everyday objects, accidental sounds, and site-specific improvisation.

In 2026, he produced Namsan Tower Lights, the first full-length album by Mariko & Yukie. He has also participated in the Korea Experimental Arts Festival, JIEAF, and SIEAF since 2002, exploring music as an open encounter between people, sound, space, and culture.

Saipa Fire Arts | Eum Ye-eun

태국 | 불 퍼포먼스 · 전통춤 · 커뮤니티 아트 | Fire Performance · Traditional Dance · Community Art

태국 치앙마이를 기반으로 활동하는 부족 예술·공예 아티스트 네트워크로, 불과 춤, 음악, 공예를 결합해 지역의 전통을 동시대적인 퍼포먼스로 재해석한다. 태국 북부의 고대 란나(Lanna) 문화와 동북부 이산 지역의 요(Yor) 부족 전통을 예술적 뿌리로 삼아, 서로 다른 지역의 춤과 의례적 움직임을 하나의 무대에서 연결한다.

대표적인 불 퍼포먼스에는 란나의 폰렙(Fawn Leb), 폰티엔(Fawn Tien), 폰정(Fawn Jerng)과 요 부족의 공작춤, 불의 배와 관련된 춤, 고대 무에타이 등에서 가져온 움직임이 현대적인 신체 표현과 결합된다. 전통을 단순히 재현하기보다 불이라는 강렬한 매체를 통해 고대의 기억과 오늘의 감각을 만나게 하며, 공연과 워크숍을 통해 지역 공동체와 국제무대를 연결하는 활동을 이어가고 있다.

사이파 파이어아츠는 케시니 프라툼마니(Kesinee Prathummanee, Mint)와 시티뎃 스리사마이(Sittidach Srisamai, Bird)를 중심으로 활동하며, 부족문화의 지혜와 공예적 감각을 공연예술로 확장하고 있다. 

Kesinee Prathummanee & Sittidach Srisamai 가 함께한다.

Saifa Fire Arts is a Chiang Mai–based network of tribal arts and crafts artists that combines fire, dance, music, and craft to reinterpret regional traditions through contemporary performance. Rooted in the ancient Lanna culture of northern Thailand and the Yor tribal traditions of the Isan region, the group brings together diverse ritual movements and dance forms on a single stage.

Their fire performances incorporate elements from Lanna traditions such as Fawn Leb, Fawn Tien, and Fawn Jerng, as well as Yor peacock dance, fire-related dances, and ancient Muay Thai. Rather than simply reproducing tradition, Saifa Fire Arts uses fire as a powerful medium to connect ancestral memory with contemporary expression.

Led by Kesinee Prathummanee (Mint) and Sittidach Srisamai (Bird), the group continues to expand tribal wisdom and craftsmanship into performance while connecting local communities with international audiences.

Temmetsu Toshi  | 텐메츠 토시

일본 | 부토 · 연극연출 · 도예 | Butoh · Theatre Direction · Ceramics

마츠모토 텐메츠 토시는 일본의 부토 아티스트이자 연출가, 도예가이다. 1993년 히지카타 타츠미 기념 아스베스토칸에서 부토를 시작했으며, 부토 그룹 Sekishoku Suisei Kan을 거쳐 솔로 아티스트로 활동해왔다. 몸의 내면에서 발생하는 이미지와 감각을 움직임으로 끌어내며, 부토와 연극, 시각예술의 경계를 넘나드는 독자적인 작업세계를 구축하고 있다.

2016년부터 2023년까지 연극과 부토를 결합한 신체표현 유닛 B-kikan을 이끌며 데라야마 슈지의 작품을 중심으로 새로운 연극적 신체언어를 실험했다. 2021년 일본연출자협회 젊은연출가콩쿠르에서 우수상을 수상했으며, 이후에도 일본과 유럽, 러시아, 한국 등 국내외 무대에서 부토와 퍼포먼스 활동을 이어가고 있다.

최근에는 부토의 신체성과 미학을 다른 예술영역으로 확장하고 있다. 2021년부터 도예 작업을 시작해 개인전과 전시를 통해 작품을 발표하고 있으며, 영화와 뮤직비디오, 패션 등 다양한 매체에서도 활동한다. 2025년과 2026년에는 여러 세대의 부토·무용가들이 함께하는 Wakaba Coffee의 《Anthropophagy Ball》에 참여하며 동시대 부토의 새로운 가능성을 탐색하고 있다.

Temmetsu Toshi Matsumoto is a Japanese Butoh artist, director, and ceramic artist. He began studying Butoh in 1993 at the Tatsumi Hijikata Memorial Asbestos-kan and later worked with the Butoh group Sekishoku Suisei Kan before developing his career as a solo artist. Drawing movement from inner images and sensations of the body, he has built a distinctive practice that crosses the boundaries of Butoh, theater, and visual art.

From 2016 to 2023, he led B-kikan, a physical performance unit combining theater and Butoh, where he explored new theatrical body languages through works centered on Shuji Terayama. In 2021, he received an Excellence Award at the Young Directors Competition of the Japan Directors Association. He has continued to perform internationally across Japan, Europe, Russia, and Korea.

In recent years, he has expanded the physicality and aesthetics of Butoh into other artistic fields. Since 2021, he has also worked in ceramics, presenting his works through exhibitions and solo shows, while remaining active in film, music videos, and fashion. In 2025 and 2026, he participated in Wakaba Coffee’s Anthropophagy Ball, collaborating with Butoh and dance artists of different generations and exploring new possibilities for contemporary Butoh.

Wu Haw-jong | 우하오중

대만 | 디아볼로 · 현대서커스 · 퍼포먼스 | Diabolo · Contemporary Circus · Performance

대만의 디아볼로 아티스트이자 현대서커스 퍼포머이다. 2014년부터 디아볼로를 중심으로 창작활동을 이어왔으며, 서예와 저글링, 시각예술을 결합해 전통적인 디아볼로의 영역을 동시대 공연예술로 확장하고 있다. 2016년 도쿄 국제 디아볼로 대회에서 우승했으며, 이후 한국·독일·스위스·폴란드·이탈리아·캐나다 등 여러 국제 거리예술축제에서 공연했다. 2025년에는 세계 디아볼로대회 심사위원으로도 활동하며 국제적인 무대에서 꾸준히 존재감을 넓혀가고 있다.

최근에는 디아볼로의 움직임 자체를 하나의 회화적 행위로 바라보는 작업에 집중하고 있다. 2023년부터 선보인 〈Diabolo Painting〉은 디아볼로와 저글링 도구에 물감을 묻혀 회전하고 던지는 움직임의 궤적을 캔버스 위에 남기는 작업으로, 서커스의 순간적인 몸짓을 선과 리듬, 색의 흔적으로 전환한다. 이 작품으로 2025년 대만 BIG TOP Awards의 Skill Innovation Award를 수상했으며, 2026년에는 타이베이 영안예술문화센터에서 20여 점의 작품을 선보이는 개인전을 열었다. 같은 해 일본 CCC Frontier Festival에서는 〈Fluidity Verse〉와 〈Diabolo Painting〉을 공연하며 기술과 회화, 퍼포먼스의 경계를 넘나드는 작업을 이어가고 있다.

기교를 보여주는 데 머물지 않고 몸의 움직임과 우연, 관객과의 상호작용을 하나의 시각예술로 확장하는 것이 작업의 가장 큰 특징이다.

A Taiwanese diabolo artist and contemporary circus performer, he has been developing his practice around diabolo since 2014, combining calligraphy, juggling, and visual art to expand traditional diabolo into contemporary performance. He won the Tokyo International Diabolo Competition in 2016 and has since performed at international street arts festivals in Korea, Germany, Switzerland, Poland, Italy, and Canada. In 2025, he also served as a judge at the World Diabolo Competition.

In recent years, he has focused on treating the movement of diabolo itself as a form of painting. Since 2023, his Diabolo Painting project has used paint-covered diabolos and juggling tools to leave traces of spinning and throwing movements on canvas, transforming fleeting circus gestures into lines, rhythms, and color. The work received the Skill Innovation Award at Taiwan’s BIG TOP Awards in 2025. In 2026, he presented more than 20 works in a solo exhibition at the Yong-An Arts and Cultural Center in Taipei and performed Fluidity Verse and Diabolo Painting at Japan’s CCC Frontier Festival.

His practice goes beyond technical virtuosity, transforming bodily movement, chance, and audience interaction into a form of visual art.